art.spring 2019 | Aufruf

artspring 2019

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(english version below)

Liebe Künstlerinnen und Künstler im Bezirk Pankow,

hiermit laden wir euch  zur Teilnahme an der 3. Auflage des  Kunstfestivals artspring ein.

Unverändert heißt es: Der Stadtbezirk wird Galerie – Offene Ateliers in Pankow, Prenzlauer Berg und Weißensee. Der Kerngedanke von artspring ist es, interessierte Nachbarn, Besucher, Sammler und Käufer in die Ateliers zu holen und gleichzeitig die Standorte der Kunstproduktion im Bezirk sichtbar zu machen.

artspring wächst und verändert sich – durch die Aktivitäten in den letzten beiden Jahren ist ein Netzwerk entstanden, das rund ums Jahr im Austausch steht, sich bei der Standortwahrung unterstützt und sich im Dialog mit den Akteuren aus Kunst, Kultur und Politik im Bezirk befindet. Auf unterschiedlichen Ebenen wird mittlerweile deutlich kommuniziert, dass die Künstlerinnen und Künstler und ihre Standorte für die Identität und die Lebensqualität im Bezirk wichtig sind und ihr Schutz und ihre Unterstützung ein gemeinsames Interesse bildet. Langfristig gedachte Konzepte für die Präsenz des aktuellen, lokalen Geschehens werden gemeinsam erarbeitet. Doch zunächst denken wir an den kommenden Mai.

Voraussetzung für die Teilnahme an artspring ist grundsätzlich, ein eigenes Atelier oder einen Projektraum im Bezirk Pankow zu betreiben und diesen am Wochenende vom 1./2. Juni 2019 für Besucher zu öffnen.

Festival artspring spots 1.5.-1.6.2019: Die teilnehmenden Künstlerinnen und Künstler werden gebeten, ihre Ateliers etwas früher aufzuräumen, denn wir möchten den ganzen Monat Mai über Konzerte, Lesungen, Performances, Filmvorführungen, Künstlergespräche und mehr in den Atelierhäusern und Ateliers ermöglichen. Ladet euch Gäste ein, wir möchten für jeden Kalendertag Künstlerhonorare für Veranstalter und Gäste zur Verfügung stellen, die abgerufen werden können. Das Ziel ist, durch ein Crossover auch benachbarte Sparten einzubinden und durch die Verteilung der Veranstaltungen auf den ganzen Monat jedem Event Raum zu geben.

artspring nale: An den Freitagen im Mai zeigen wir Filme im Kino in der K77 (Kastanienallee 77). Auch hierfür nehmen wir gerne Bewerbungen entgegen.

artspring pop-up: artspring wird für die gesamte Festivalzeit mit einem Pop-Up-Store in den Schönhauser Allee Arcaden präsent sein und dort Kataloge und Editionen präsentieren.

artspring award: Ein Pokal für den Publikumsliebling wird auch 2019 vergeben.

artspring magazin: Die Zeitung listet alle teilnehmenden Ateliers, Künstlerinnen und Künstler mit Text und Bild sowie die Veranstaltungen. Erscheinungstermin 15.4., Redaktionsschluss 15.3.2019

Anmeldungen zur Teilnahme an den offenen Ateliers bitte ab sofort unter anmeldung ät artspring.berlin. Teilt uns die Namen der teilnehmenden Künstlerinnen und Künstler sowie die Atelieradresse mit. Mit der Anmeldung sichert ihr zu, am 1. und 2. Juni das betreffende Atelier zu öffnen. Anmeldeschluss ist der 15.2.2019

Anmeldungen von Veranstaltungen bitte an veranstaltungen ät artspring.berlin.

Texte und Bilder bitte noch nicht einsenden! Nach Abstimmung des aktuellen Layouts der Zeitung versenden wir eine Aufforderung zur Einsendung der Angaben, die wir von euch benötigen.

Für die Refinanzierung der Veranstaltungshonorare starten wir im Januar eine Crowdfounding-Campagne. Das Kleingedruckte: Die Einladung zu artspring 2019 gilt unter Vorbehalt der beantragten Förderzusagen.

Alle Informationen zu artspring 2017und 2018 stehen auf www.artspring.berlin.

Dieser Aufruf kann und soll bitte an jegliche potentiellen Interessenten weitergeleitet werden.


Dear artists in Pankow,

We hereby invite you for the third time to participate in the arts festival artspring.

Again it says: The district will be gallery – open studios in Pankow, Prenzlauer Berg and Weissensee. The core idea of ​​artspring is to bring the interested neighborhood and visitors and potential customers and collectors into the studios and at the same time make visible the art production sites in the district.

​​artspring is growing and changing – the activities in the last two years have created a network that is in exchange for the whole year, supports itself in the preservation of the site and is in dialogue with the actors from the arts, culture and politics in the district. At different levels it is now clearly communicated that the artists and their locations are important for the identity and quality of life in the district and their protection and support are of common interest. Long-term concepts for the presence of current, local events are worked out together. But first we think about the coming May.

Requirement for participation in ​​artspring is basically to run your own studio or a project space in the district of Pankow and this on the weekend of 1./2. June 2019 for visitors to open.

Festival artspring spots 1.5.-1.6.2019: The participating artists are asked to clean up their studios a bit earlier because we want to make it possible for the whole month of May to hold concerts, readings, performances, film screenings, artist talks and more in the studio buildings and studio.  Invite guests, we would like to provide artist fees for organizers and guests for each calendar day that can be accessed. The goal is to cross-link neighboring genres as well and to provide attention to each event by distributing the events throughout the month.

artspring nale: On Fridays in May, we show films in the cinema K77 (Kastanienallee 77). Also for that, we accept applications.

artspring pop up: artspring will be present with a pop-up-store  in the Schönhauser Allee Arcaden, where editions and catalogs can be presented.

artspring award: A trophy for the crowd pleaser will also be awarded in 2019.

artspring magazine: The newspaper lists all participating studios, artists with text and image as well as the events. Publication date 15.4., Editorial deadline 15.3.2019

Please register for participation in the open studios at anmeldung ät artspring.berlin. We need the Names of the participating artist(s) and your studio address. Registration deadline is 15.2.2019

Please register for events at veranstaltungen ät artspring.berlin.

Please do not send texts and pictures yet! After coordinating the current layout of the newspaper, we will send you a request to send us the information we need from you.

For the refinancing of the event fees we start a crowdfunding campaign in January. The fine print: The invitation to artspring 2019 is subject to funding commitments.

All information on artspring 2017 and 2018 is available at www.artspring.berlin.
This call can and should be forwarded to any potential interested parties.

Neues Video: Kurt Buchwald: Limes Mundi

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Dokumentation zur Ausstellung
Kurt Buchwald: Limes Mundi – Die Umkehrung der Sicht | Fotografie
September bis 28.Oktober 2018 in der Galerie Pankow
Mehr Informationen zur Ausstellung hier >>
5:54 Minuten / HD

Transkription des Videos

Kurt Buchwald: Das Spiel mit der Wahrnehmung
ist eigentlich ganz wichtig.

Ich zähle ja zur Wahrnehmung eine ganze Menge.
Dass man hier natürlich bloß Fotos sieht, ist eine andere Sache.

Also für mich war ja auch der Körper mal zum Anfang sehr interessant;
dass ich mich sozusagen ins Bild begebe, körperlich

und dann davon Aufnahmen mache. Und das war sozusagen für mich
ein Beobachten dessen, was man macht, durch ein anderes Medium.

Das Problem ist ja immer der Erkennbarkeit der Welt.

Und mit dem Rohr wird es eben soweit interessant, da die Grenze,
deswegen heißt die Ausstellung ja auch “Limes Mundi”,

die Grenze eng gezogen wird.
Wir bewegen uns in der Wahrnehmung in einer engen Grenze.

Und das Rohr verkörpert diese Grenze.

Deswegen heißt die Serie ja auch “Im Kreis der Wahrnehmung”
und da fällt nur noch ganz wenig Licht rein.

Wenn ich das Rohr ein bisschen anhebe, kommt von dieser Seite Licht rein.

Das ist man nicht gewohnt. So hat man den Gegenstand noch nie gesehen.

Und so wird dieser Gegenstand völlig anders interpretiert
und so funktioniert eben unsere Wahrnehmung.

Das ist eine Konstruktion. Das Gehirn überlegt immer, was kann es sein,

versucht das abzugleichen und da findet es irgendwie was.

Und dann denkt man: das ist das, aber wenn man dann ein bisschen

rationell dann ran geht, also mit Wissen sozusagen über die Dinge,

dann kommt man zu dem was man da eigentlich sieht.

“Der Observator” ist eine Weiterentwicklung der “OM Station”.

Das war eine Beobachtungsstation,
die ich im Ruhrgebiet mal aufgestellt habe zum Festival.

Und ich glaube dann so paar Jahre später

hatte ich die Einladung nach Slubice zum
Festival von Miloszy Olek (?) und dachte mir,

ich könnte da so eine Beobachtungssituation
zwischen Polen und Deutschland installieren.

Ich habe mich dann entschieden für eine mobile Station,
die man sozusagen rumfahren kann.

Also die man von Polen nach Deutschland schafft
und wieder umgekehrt.

Damals war ja noch die Grenze
kontrolliert, das heißt wir mussten durch

die Grenzkontrolle durch mit dem Observator.
Und die Observation, oder sagen wir mal,

das Beobachten, ist ja eigentlich ein altes Thema von mir.

Denn wenn ich sozusagen fotografiere oder ein Film mache,
ist ja automatisch eine Beobachtungssituation

und auch eine Observationssituation.

Und ich habe mir mal Gedanken gemacht,
ja was es ist denn so das Medium Fotografie.

Was gibt es denn da so für Hintergründe und für Möglichkeiten.

Und da ist natürlich die Observation eine ganz interessante Geschichte.

Man muss sich da eigentlich im Klaren sein,
dass objektive Wahrnehmung ganz schwierig zu realisieren ist.

Und der Fotograf kommt an, macht ein Bild und sagt,
das ist die Wahrheit. Das kann es aber nicht sein.

Also ich sagte ja schon vorhin, dass ich so die Empfindung habe,
dass die Wahrheit eine Konstruktion ist.

Und die ist ja nicht bloß eine Konstruktion,
sondern sie ist auch eine Machtfrage.

Deswegen habe ich auch noch andere Erfahrungen gemacht.
Die ist natürlich aus dem Osten gekommen,

dass die Behörden natürlich auch solche
Leute sind die natürlich behaupten,

dass es so und so und so ist, es ist aber nicht so.

Ich hatte auch “fotografieren verboten” gemacht
und da habe ich die Leute auch damit sehr irritieren können.

Und wenn ich dann sozusagen als Amtsperson aufgetreten bin,

ich sage: ich untersage hier von Amts wegen das Fotografieren,
dann haben die Leute das auch akzeptiert.

Und deswegen habe ich dieses Amt für Wahrnehmungsstörung

1993 gegründet und heute sind wir ja ziemlich nahe dran
mit diesen ganzen Fakes, die überall ablaufen.

Kurt Buchwald: Ich habe so eine Ader für obskure Sachen
oder wo ich sozusagen ein Antiporträt mache,

weil die Blende sozusagen den
Zugriff auf die Person verweigert.

Also da muss man sich wirklich fragen,
ist das noch ein Porträt oder was passiert da eigentlich.

Oder warum mach ich jetzt so ein Porträt
oder warum könnte ich jetzt so ein Porträt machen.

Und es findet ja nicht nur bei mir statt,

so eine Veränderung der Porträtsituation.
Man sieht sieht es ja auch bei Kollegen

in den letzten Jahren, dass das
immer mehr relativiert wird.

Also das wo man sagt,
ja das ist so eine humanistische Auffassung.

Man muss den Menschen sehen und alle in total;
das tritt immer mehr zurück.

Kurt Buchwald: Ja ich habe mich immer für Philosophie interessiert, für Geschichte.

Da ist die Fotografie dann eben doch ein Mittel sozusagen.
Wie wenn ich etwas auf schreiben würde, wo ich mich dann

weiter unterhalten kann, wo ich auch was festhalte.
Mit einem Foto kann man ja noch wieder was machen.

Das holt man heraus, betrachtet man wieder,
man findet wieder neue Sachen dazu.

Und die Frage ist ja auch, wenn ich was anschaue,

wie schaue ich das an und
wie interpretiere ich das Ergebnis.

Das filmische Werk von Barbara Metselaar Berthold

Wir wären so gerne Helden gewesen

Das filmische Werk von Barbara Metselaar Berthold

Flyer zur Ausstellung im Rahmen von Videoart at Midnight-Festivals ‘18

“Wir wären so gerne Helden gewesen” Das filmische Werk von Barbara Metselaar Berthold

Ausstellung / Exhibition 07.November 201813. Januar 2019
Vernissage: 06. November 2018, 19:00 Uhr

Redner / Speakers:

Annette Tietz, Leiterin der Galerie Pankow
Olaf Stüber, Kurator der Ausstellung und Direktor des Videoart at Midnight Festivals ‘18
Claus Löser, Filmwissenschaftler

Die Galerie Pankow präsentiert im Rahmen des Videoart at Midnight-Festivals ‘18 das filmische Schaffen Barbara Metselaar Bertholds. Die Ausstellung stellt damit nicht nur einen anderen, wesentlichen Schaffenskomplex der Fotografin vor, sondern knüpft an aktuelle gesellschaftliche wie auch medienbezogene Diskurse an. Von Metselaar Bertholds experimentellem Video Das Haus (1989/90), über den Dokumentarfilm Wir wären so gerne Helden gewesen (1995/96) bis hin zum Foto-Film Urban Messages (2018) zeigt sich ihr Anspruch, Geschichten und Geschichte von sozialer Brisanz miterlebbar zu machen.

Sie studierte Fotografie an der Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig. Danach war sie in Berlin als freiberufliche Fotografin tätig. 1984 reiste sie aus der DDR aus, war anschließend als Dozentin an der Hochschule der Künste Berlin tätig und wandte sich neben der Fotografie dem Dokumentarfilm und Video-Essay zu.

We Would Have Loved to Have Been Heroes

The filmic work of Barbara Metselaar Berthold

"sonst knallts - die Klappe", experimentelles Video von Barbara Metselaar Berthold

Screenshot “sonst knallts – die Klappe”, experimentelles Video mit Texten von Heike Willingham, 1994, Hi 8, 5 Min

For the Videoart at Midnight Festival ‘18, Galerie Pankow presents the filmic work of Barbara Metselaar Berthold. The show not only presents a different, essential body of work by the artist, but also ties in with current societal and media-related discourses. From Metselaar Berthold’s experimental video Das Haus (The House, 1989/90) to the documentary Wir wären so gerne Helden gewesen (We Would Have Loved to Have Been Heroes, 1995/96) to the photo-film Urban Messages (2018), the works reveal her aim to enable the viewer to participate in the experience of socially explosive stories and histories.

Metselaar Berthold studied photography at the Academy of Fine Arts Leipzig and then worked as a freelance photographer in Berlin. In 1984, she left the GDR, then joined the Berlin University of the Arts and turned to documentary films and video essays, while continuing her photographic work.

Frühstück / Breakfast am Samstag, dem 15.12.2018, 11:00 bis 13:00 Uhr

Filmabende / Screenings:

  • Donnerstag, 22.11.2018 um 19:00 Uhr
    Insel – Gespräche vor blühender Landschaft
    faro-film 2005, mini DV, 102 Min.
  • Donnerstag, 06.12.2018 um 19:00 Uhr
    Audienzen – Strategien der Selbstbehauptung
    faro-film 2006/07, mini DV, 52 Min. | zusammen mit Tina Bara
  • Donnerstag, 10.01.2019 um Uhr
    Kuhfrass – laut und leise

    faro-film 2014/15, HD, 57 Min. | Buch und Realisation

Im Rahmen des Videoart at Midnight Festival ‘18

Logo VAM FEstival 18

Gefördert durch:

Schering Stiftung | Hauptstadt Kultur Fonds | Medienboard Berlin Brandenburg

       

Pressemitteilung: Videoart at Midnight Festival ‘18

Pressemitteilung
30. Oktober 2018

Videoart at Midnight Festival ‘18

Logo VAM FEstival 18

Eröffnung: 14. Dezember 2018
Videoart at Midnight #100 Ed Atkins: 14. Dezember 2018
Artists’ Film Days: 15 + 16 Dezember 2018

Symposium: 13 + 14. Dezember 2018
Ausstellungen: 7. November 2018 – 11. März 2019

Videoart at Midnight (VAM) feiert sein zehnjähriges Bestehen mit einem Festival der Videokunst und einem vielseitigen Rahmenprogramm aus einem Symposium und vier Ausstellungen bei befreundeten Institutionen in Berlin. Im Mittelpunkt des Jubiläums steht das zweitägige Künstlerfilm- und Video-Programm im Kino Babylon in Berlin-Mitte. 100 internationale Künstler zeigen ihre Arbeiten bei den Artist Film Days am 15. und 16. Dezember 2018 im Babylon. Künstler Nummer 100, der britische Videokünstler und Dichter Ed Atkins, erhält die carte blanche für die Nacht zuvor (14. Dezember ab Mitternacht).

In einem Symposium untersucht VAM gemeinsam mit dem Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart und dem Neuer Berliner Kunstverein (n.b.k.) die Geschichte, Gegenwart und Zukunft der Videokunst unter dem Titel „Future Continuous Present(s) – “Video Art” through Time”.

Vier Ausstellungen begleiten das Programm: das Archiv von Wulf Herzogenrath präsentiert er selbst in der Akademie der Künste, die Berlinische Galerie zeigt eine Arbeit von Raphaela Vogel, KW Institute for Contemporary Art stellt Arbeiten von Christian Friedrich und die Galerie Pankow das filmische Schaffen von Barbara Metselaar Berthold vor.

Mit den Künstlerfilm- und Video-Tagen im Babylon und der Vernetzung mit namhaften Institutionen der Stadt unterstreicht Videoart at Midnight die internationale Bedeutung des Produktionsstandorts Berlin, insbesondere für die künstlerischen Medien Film und Video. Berlin ist einer der weltweit attraktivsten Orte für nationale und internationale Künstler, ihre Projekte zu entwickeln, zu realisieren, zur Diskussion zu stellen und nicht zuletzt auszustellen. Entsprechend befindet sich die künstlerische Produktion in dieser Stadt auf einem breiten und hohen Niveau. Genau das will das Videoart at Midnight Festival ‘18 zeigen.

ARTISTS’ FILM DAYS

Das Festival ist in erster Linie den Künstlerinnen und Künstlern gewidmet, die in den letzten 10 Jahren bei Videoart at Midnight zu Gast waren. Sie alle sind wieder nach Berlin und ins Kino Babylon eingeladen, nicht nur, um ihre Filme zu zeigen, sondern auch um am Festival teilzunehmen. Ein Großteil der Künstler lebt in Berlin, aber auch Künstler, die bereits weitergezogen sind, ob nach London, Paris oder New York, werden kommen (15. + 16. Dez).

Ulf Aminde, Yuri Ancarani, Julieta Aranda, Marc Aschenbrenner, Michel Auder, Yael Bartana, Bewegung Nurr, John Bock, Martin Brand, Ulu Braun, Klaus vom Bruch, Erik Bünger, Candice Breitz, Filipa César, Chicks on Speed, Chto Delat, Christoph Draeger, Phil Collins, Pauline Curnier Jardin, Keren Cytter, Antje Ehmann & Jan Ralske, Antje Engelmann, Shahram Entekhabi, Köken Ergun, Annika Eriksson, Theo Eshetu, Simon Faithfull, Christian Falsnaes, Omer Fast, Fischer & el Sani, Dani Gal, Gintersdorfer / Klaßen, Christoph Girardet & Matthias Müller, Niklas Goldbach, Delia Gonzalez, Douglas Gordon, Andy Graydon, Assaf Gruber, Isabell Heimerdinger, Benjamin Heisenberg, Kerstin Honeit, Christian Jankowski, Sven Johne, Hiwa K, Anja Kirschner & David Panos, Annika Larsson, Armin Linke, Dafna Maimon, Antje Majewski, Melanie Manchot, Lynne Marsh, Bjørn Melhus, Eléonore de Montesquiou, Matthias Müller, Chris Newman, Bettina Nürnberg & Dirk Peuker, Marcel Odenbach & Lukas Marxt, Stefan Panhans, Dirk Peuker, Mario Pfeifer, Oliver Pietsch, Agnieszka Polska, Ulrich Polster, Reynold Reynolds, Mario Rizzi, Mathilde Rosier, Anri Sala, Eran Schaerf & Eva Meyer, Erik Schmidt, Jeremy Shaw, Maya Schweizer, Amie Siegel, Pola Sieverding, Martin Skauen, Guido van der Werve, Joep van Liefland, Safy Sniper, Vibeke Tandberg, Mathilde ter Heijne, Rebecca Ann Tess, Wolfgang Tillmans, Clemens von Wedemeyer, Weekend & Plaste (with Alice Creischer & Andreas Siekmann), Ming Wong, Shingo Yoshida, Katharina Zdjelar, Stefan Zeyen, Tobias Zielony.

SYMPOSIUM

In einem international besetzten Symposium untersucht VAM gemeinsam mit dem Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart und dem Neuen Berliner Kunstverein (n.b.k.) die Geschichte, Gegenwart und Zukunft der Videokunst unter dem Titel „Future Continuous Present(s) – “Video Art” through Time” (13.-14. Dez). Diskutiert werden Fragen nach der Diskrepanz zwischen sich stetig weiterentwickelnden digitalen Techniken und damit verbundenen ästhetischen Auswirkungen oder nach dem künstlerischen Umgang mit linearen und nicht-linearen Erzählungen (u.a. mit Orit Halpern, Claus Pias, Erika Balsom, Inke Arns, Siegfried Zielinski, Frédéric Neyrat).

AUSSTELLUNGEN

Viele der mit dem Medium Video arbeitenden Künstler produzieren ihre Werke oft nicht für das “Dispositiv Kino”, sondern sehen diese eher im Ausstellungs-raum verortet. Aus diesem Grund versucht Videoart at Midnight mit Berliner Institutionen gemeinsam auch die installativen Möglichkeiten des Mediums Film und Video ausloten.

Wir wären so gerne Helden gewesen: Das filmische Werk von Barbara Metselaar Berthold in der Galerie Pankow knüpft an aktuelle gesellschaftliche wie auch medienbezogene Diskurse an. Von Metselaar Bertholds experimentellem Video Das Haus (1989/90), über den Dokumentarfilm Wir wären so gerne Helden gewesen (1995/96) bis hin zum Foto-Film Urban Messages (2018) zeigt sich ihr Anspruch, Geschichten und Geschichte von sozialer Brisanz miterlebbar zu machen. (7. Nov 2018 – 13. Jan 2019)

Son of a Witch: Die Berlinische Galerie zeigt eine raumgreifende Skulptur on Raphaela Vogel in ihrer ersten institutionellen Einzelausstellung in Berlin, die den gesamten Ausstellungsraum neu definiert und in eine Art schamanische Kathedrale verwandelt. Die eigene, weibliche Körperlichkeit und oftmals männlich geprägte Technik sind Themen, die Raphaela Vogel in ihren postapokalyptischen, frankensteinschen Welten immer wieder neu und nicht ohne Humor behandelt. Dabei wird alles umgestülpt, gedreht, umgewandelt, dekonstruiert und erfrischend respektlos neu gedeutet. (30. Nov 2018 – 11. Mar 2019)

Are You Warm? Did You Have Trouble Getting Here? Have They Treated You Well?: KW – Institute of Contemporary Art zeigt zwei Arbeiten von Christian Friedrich: Untitled (2011) spielt mit der rhythmischen Einfügung von allerlei Bildmaterial und verkehrt Bild und Ton zu einem stroboskopischen Effekt in anachronistischer Sepiatönung. Ein zweiter Film, Are You Warm? Did You Have Trouble Getting Here? Have They Treated You Well? (2017), trägt einen Titel, der eine Befragung andeutet. Im steten Wechsel der Modi nutzt Christian Friedrichs Werk häufig Elemente sexueller Extravaganz, aber spielt sie gegen Formalismus, Ästhetizismus und strukturelle Gegensätze aus. (8. –-16. Dez)

Wulf Herzogenrath-Archiv: Wulf Herzogenrath trug als Kunsthistoriker und Kurator entscheidend zur Etablierung der Videokunst in Deutschland bei. Die Ausstellung in der Akademie der Künste zeigt neben Dokumentationen zur Videokunst auch einige frühe Werke, ergänzt durch Fotos, Briefe und Entwürfe zu Installationen aus der einzigartigen Studiensammlung des Herzogenrath-Archivs. Im Mittelpunkt der Rückschau steht die „documenta 6“ als Meilenstein in der Geschichte der Medienkunst, bei der Wulf Herzogenrath 1977 eine eigene Abteilung für Videokunst kuratierte. Erstmals öffentlich präsentiert wird seine Kollektion von Künstlergäste¬büchern mit originalen Widmungen als Zeugnisse seiner zahlreichen beruflichen wie privaten Begegnungen seit Ende der 1960er Jahre. (13. – 16. Dez)

CAMPUS

Der von vier Kunsthochschulen (HGB Leipzig, KH Braunschweig, KH Kassel und UdK Berlin) initiierte Campus im Rahmen des Festivals soll Studierenden die Möglichkeit gegeben, sich in Form von Backstage-Gesprächen mit einzelnen Künstlern des Festivals in moderierten und vorbereiteten Seminaren sich auszutauschen. (Babylon Kino 2 + 3, 15. + 16. Dez)

ÜBER VIDEOART AT MIDNIGHT

Videoart at Midnight ist ein internationales Forum, das sich der Förderung von zeitgenössischer Kunst, insbesondere von Film, Medienkunst und Videokunst in Berlin widmet.

Einmal im Monat, immer an einem Freitag um Mitternacht, laden die beiden Initiatoren – Olaf Stüber und Ivo Wessel – Künstler ein, ihre Arbeiten auf der großen Leinwand im Kino Babylon zu zeigen. Jeder Abend ist einem Künstler bzw. einer Künstlerin gewidmet. Die Künstler sind stets anwesend. Es ist ihr Abend. Oft werden Uraufführungen gezeigt, manchmal auch begleitet durch live acts, wie Performances, Konzerte oder Künstlergespräche.

Ziel von Videoart at Midnight ist es, eine Plattform für ein Medium zu bieten, das im Rahmen der zeitgenössischen Kunstproduktion zunehmend an Bedeutung gewinnt und gleichzeitig einen Einblick in die internationale Kunstszene Berlins zu geben. Dabei sind sowohl renommierte Künstler als auch immer wieder Neuentdeckungen eingeladen.

Videoart at Midnight ist ein Non-profit- und No-budget-Projekt. Der Eintritt ist frei. Jedermann ist willkommen.

Videoart at Midnight wird auch international wahrgenommen und war beispielsweise zu Gast im Kunstverein Salzburg, bei diversen Filmfestivals, im Goethe Institut Seoul und im Hirshhorn Museum Washington, D.C.

Weiterführende Informationen: www.videoart-at-midnight.de/festival-18/

Vom Denkmal zum Denkort – öffentliches Kolloquium

Vom Denkmal zum Denkort – öffentliches Kolloquium zur Vorbereitung einer künstlerischen Kommentierung des Ernst-Thälmann-Denkmals

öffentliches Kolloquium Thälmann-Denkmal

Veranstaltungsort:
WABE
Danziger Straße 101
10405 Berlin

Kolloquium am 27.11.2018 von 12:00 bis 19:00 Uhr | Registrierung

Das Ernst-Thälmann-Denkmal an der Greifswalder Straße im Prenzlauer Berg wurde 1986 im Auftrag der DDR-Regierung errichtet. Es ist das zentrale Monument, das die Siedlung Ernst-Thälmann-Park dominiert und strukturiert. Seit 2014 steht das gesamte Ensemble unter Denkmalschutz.

Angesichts der Veränderungen in der städtischen Baupolitik und den Projekten privater Investoren wird die perspektivische Nutzung des Areals in der Öffentlichkeit seit mehreren Jahren kontrovers diskutiert.

Die Bewohnerschaft und die Nutzer*innen des Ernst-Thälmann-Parks sind dabei, sich zu verändern und zu verjüngen. Die neu hinzugezogenen Anwohner*innen gehören zum großen Teil einer nicht DDR-sozialisierten jüngeren Generation an. Ihnen sind die historische Konnotation des Ernst-Thälmann-Denkmals sowie die Person Ernst Thälmann in weiten Teilen unbekannt. Aus diesem Grund hat auch die Bezirksverordnetenversammlung Pankow eine Kommentierung der Ernst-Thälmann-Plastik gefordert.

In einem vom Bezirk Pankow ausgelobten Wettbewerb sollen im kommenden Jahr Künstler*innen eingeladen werden, Vorschläge zur Kommentierung des Ernst-Thälmann-Denkmals zu entwickeln.

Das Kolloquium – Vom Denkmal zum Denkort – soll eine öffentliche Annäherung und inhaltliche Auseinandersetzung mit der Aufgabenstellung des Kunstwettbewerbs einleiten. Hier sollen Möglichkeiten des Zusammenwirkens zwischen Denkmalpfleger*innen, Historiker*innen, Stadtplaner*innen und Künstler*innen gemeinsam mit Anwohner*innen und der interessierten Fachöffentlichkeit erörtert werden.

>> Programm Download [PDF]

Registrierung

Für die Teilnahme am Kolloquium ist eine Anmeldung bis zum 18. November 2018 erforderlich. Hier können sie sich registrieren. Die Teilnahme ist kostenlos.

So einfach geht´s:

1. Füllen Sie die leeren Felder mit ihren persönlichen Daten aus und klicken Sie auf den Sendebutton. Wir verwenden ihre Daten ausschließlich für den Registrierungsprozess und für ein Namensschild während der Veranstaltung. Im Anschluss an die Veranstaltung werden Ihre persönlichen Daten auf Wunsch gelöscht.

2. Nach Übermittlung der Daten erhalten Sie eine Bestätigungsmail mit weiteren Informationen.

    Bitte informieren Sie mich über den weiteren Verlauf des Projekts per E-Mail.

    Bitte löschen Sie meine persönlichen Daten nach Abschluss der Veranstaltung.

    Für Rückfragen zur Anmeldung zum Kolloquium:
    Mobil: 0179 127 27 90
    Mailadresse: kolloquium [at] artplanner [dot] de

     

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    Neues Video: Sabina Grzimek „Aus den Zeiten“

    Hiermit präsentieren wir stolz unsere Ausstellungsdokumention anlässlich der Ausstellung

    Sabina Grzimek „Aus den Zeiten“ | Radierungen und Übermalungen

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    Dokumentation zur Ausstellung in der Galerie Pankow
    vom 24. Januar bis 1. April 2018

    6:12 Minuten / HD

    Transkription des Videos

    Sabine Grzimek: Künstler, die mir nahestehen oder Menschen,
    die mir nahestehen, die habe ich überall,

    wenn ich gereist bin und überall mal sind das einige 
    Wenige. Aber die gibt es überall und die suchen

    und manchmal haben die sogar ein ähnliches Problem
    oder eine ähnliche Idee gerade.

    Also ich denke, das viel mehr alles vernetzt ist,
    dass wir viel mehr miteinander verbunden sind, als man denkt.

    Man muss eine abstrakte Idee haben, sonst hat das Menschenbild kein […]

    Sonst ist das alles lächerlich.
    Man kann ja keinen Menschen, man ist ja kein Schöpfer.

    Man ist ja nur einer, der eine Idee davon schöpft.
    Abstraktion ist für mich in jeder gestalteten Arbeit.

    Das ist das Gerüst, weshalb dieser reboot ist.
    Und Abstraktion, eine gute Abstraktion,

    auch in einer Kirchenplastik oder in guten, alten 
    Figuren oder Bildern ist immer ein Abstraktes.

    Wir haben das so gelernt mit Unterteilung,
    der goldene Schnitt. Das ist für mich abstrakt.

    Mit 16 war ich in Peetsch mit der Kunsthochschule,
    Budapester Kunsthochschule, und da
    habe ich gemalt, von morgens bis abends, 14 Tage lang.

    Und dann dachte ich, das wäre ja toll, ein 
    ganzes Leben lang malen, malen.

    Bei der Gertrud Classen war ich in dem Bildhauerzirkel,
    erstmal haben wir Akt gezeichnet in Pankow
    im Abendkurs, während ich in die zwölfte Klasse ging.

    Und dann hat sie unten in ihrem Keller,
    da hatte sie ihr kleines Atelier.

    Da haben wir nach einem Modell einen Kopf gemacht.
    Das war für mich sehr anstrengend.

    Also wie gestaltet man ein Auge, wie einen Mund und diese 
    ganzen Dinge zusammen. Das war für mich etwas ganz Neues

    und das war nicht nur schön, sondern auch anstrengend.
    Das war für mich die Sache, dass ich dachte,

    dass man sich doch in die Bildhauerei mehr vertiefen kann.
    Tiefer gehen kann, wenn man möchte.

    Sabine Grzimek: Das Schöne war bei der Zeichnung,
    dass ein wichtiger Strich das Allerwichtigste war.

    Manchmal wichtiger als eine große Figur oder so, 
    an der man zehn Jahre gearbeitet hat.

    Durch Arno Mohr bin ich zur Radierung gekommen.
    Bei dem habe ich im Grundstudium gelernt,

    wie man Platten vorbereitet, den Grat feilt
    und wie man druckt und alles Mögliche.

    Und für mich blieb dann die Radierung das Einzige,
    wo ich alleine zu einem Ergebnis kommen kann,

    ohne dass mir jemand reinredet.
    Und das durchzieht mein Werk, weil ich eine Idee

    dann auch vielleicht fünfmal habe oder dreimal 
    oder viermal, nicht einmal und weg ist.

    Und ich habe sie in meinen Zeichenschränken und 
    ich sehe sie und bei mir entwickelt sich eine Figur,

    oder eine Idee für eine Skulptur, langsam über die Jahre.
    Und ich brauche immer den Rückhalt oder die Ermahnung,

    vielleicht von der Radierung oder von einer Zeichnung.
    Eine Zeichnung vergleicht ganz schnell, eine Radierung habe ich fünf-, sechsmal.

    Wichtig sind mir auch diese Grafiken von der 
    Zia Maria, die du sehr schön präsentiert hast

    und den kleinen Figuren, die ich leider nur dazu geschafft habe.
    Bei diesem Zyklus, den ich da gemacht habe,

    war das wahnsinnig. Erstmal sind das junge, schöne 
    Menschen; aber es geht nicht um schön,

    sondern dass die offen sind. Die sich auch gefreut haben,
    dass man sie zeichnet und auch über die Blätter sich gefreut haben.

    Ich habe ihn ja auch ab und zu mal eins gegeben.
    Und vor allem habe ich gemerkt, diese Zusammenarbeit von denen.

    Sie haben sehr gute [?schaffen]
    im Miteinanderumgehen.

    Durch die Bewegung sind plötzlich Wesen entstanden,
    die nebenbei noch entstanden sind.

    Und dass ist noch eine Sache, die mich sehr interessiert.

    Diese Art, dass da was entsteht, dass das etwas Geheimnisvolles entsteht.

    Es ist schön, dass das so 
    angenommen wird und so zurückkommt. Das ist auch für  

    mich ein Anstoß in dieser Sache noch mal ran zu gehen
    Vielleicht schaffe ich auch noch die Figur. Mal sehen.

    Eine Kooperation mit der Lyonel-Feininger-Galerie, Quedlinburg.

    Logo Lyonel-Feininger-Galerie Quedlinburg

    Kurt Buchwald: Limes Mundi – Die Umkehrung der Sicht | Fotografie

    Kurt Buchwald: Limes Mundi – Die Umkehrung der Sicht | Fotografie

    Foto des Fotografen Kurt Buchwald

    Kurt Buchwald: Die Hand, aus Serie: Im Kasten, Zella-Mehlis 2012, © VG Bild-Kunst, Bonn 2018

    Ausstellung vom 05. September bis 28.Oktober 2018
    Eröffnung am Dienstag, dem 04. September 2018, 19 Uhr

    Begrüßung: Annette Tietz, Galerieleiterin
    Einführung: Gabriele Muschter, Kunstwissenschaftlerin, Berlin
    Zur Ausstellung erscheint ein Katalog mit Texten
    von Eckhart J. Gillen, Bernd Rosner und Kurt Buchwald


    “Die Grenzen meiner Sprache bedeuten die Grenzen meiner Welt.”
    Ludwig Wittgenstein

    Kurt Buchwald hat als Bild- und Aktionskünstler früh einen medien- und gesellschaftskritischen Ansatz verfolgt, der sowohl die Mechanismen der Bildherstellung, als auch der Bildwahrnehmung und der Wirkung von Fotografie thematisiert hat und diese sowohl kritisch als auch ironisch hinterfragt.

    Neben dem Spiel mit dem Ausschnitt, der Verdeckung und dem Licht wird der fotografierte Körper in einem Rohr beziehungsweise Kasten zu seinem eigenen Hindernis. Er führt den Betrachter als auch den Apparat an die Grenzen der Wahrnehmung.

    Die mechanische Weltsicht der Gutgläubigkeit, des naiven Vertrauens in das unmittelbar Wahrgenommene und dessen interessengeleitete Interpretation durch Ideologien, zweifelhafte Werte, Ideale und Ziele wird mit der Umkehrung der Sicht als obsolet enttarnt.

    Die Ausstellung umfasst neben unveröffentlichten Blendenbildern (1994/96), die Werkgruppen Im Kreis der Wahrnehmung (2002–11) und Im Kasten (2012). Erstmals werden seine Kippbilder (2013) gezeigt und jüngst entstandene Werkkomplexe.

    Kurt Buchwald wurde 1953 in der Lutherstadt Wittenberg geboren. Während seines Studiums an der Technischen Hochschule in Karl-Marx-Stadt, traf er 1978 auf die Künstlergruppe Clara Mosch. 1982 zieht Buchwald nach Berlin und beschäftigt sich fortan mit konzeptioneller Fotografie. 1993 gründet er das Amt für Wahrnehmungsstörung und agiert mit subversiven Aktionen im öffentlichen Raum. Kurt Buchwald lebt und arbeitet in Berlin. Seine Werke wurden mit Preisen gewürdigt und befinden sich in zahlreichen Museen und Sammlungen.


    14. September -16. September 2018 | Fr 18-21 Uhr, Sa 11-13 Uhr und 14-17 Uhr, So 14-16 Uhr
    Workshop mit Kurt Buchwald: EINE ANDERE WAHRNEHMUNG FINDET STADT

    Dreitägiger Workshop mit dem Künstler in der Galerie Pankow
    Anmeldung bis 05. September unter galerie-pankow [at] gmx [dot] de


    25. Oktober 2018, 19 Uhr: Künstlergespräch
    Moderation: Inka Schube, Sprengel Museum Hannover

    Samstags, 17 Uhr: Öffentliche Führungen, Eintritt frei

    Im Rahmen des EUROPEAN MONTH OF PHOTOGRAPHY, Berlin

    Logo des Europäischen Monat der Fotografie Berlin

    Katalog und Ausstellung verdanken sich einer Kooperation mit der
    Neuen Sächsischen Galerie, Chemnitz

    Neue Sächsische Galerie

    Hommage à Marwan

    Hommage à Marwan

    Bild eines Kopfes - Gemälde des Künstlers Marwan

    Marwan “o.T.”, 2013 – 2014, Öl auf Leinwand, 162 x 114 cm © Nachlass Marwan, Foto: Jörg von Bruchhausen

    Ausstellung vom 20. Juni bis 28. Juli 2018
    Eröffnung am Dienstag, dem 19. Juni 2018, 19 Uhr 

    Begrüßung: Annette Tietz, Galerieleiterin
    Einführung: Matthias Flügge, Kunstwissenschaftler, Berlin
    Zur Ausstellung erscheint eine Publikation.

    Donnerstag, 28. Juni 2018, 19 Uhr: KlangFarbe
    Punktierte Umgebungen
    Akustischer Vortrag von Roswitha von den Driesch und Jens-Uwe Dyffort

    Samstag, 28. Juli 2018, 17 Uhr: Finissage mit Künstlerfest
    Musik: Niels Unbehagen und Jens Wohlrab am Klavier

    Fünfzig Künstler*innen ehren in einer Ausstellung ihren einstigen Lehrer, den Maler Marwan. Die Ausstellung erinnert und würdigt nicht nur einen herausragenden Künstler, sondern auch einen Lehrer, dessen menschliche, geistige wie künstlerische Konsistenz nachhaltig in den Werken einer jüngeren Generation präsent ist.

    Es ist bekannt, dass hervorragende Künstler nicht notwendigerweise immer auch hervorragende Mentoren sind. Dass Marwan in höchstem Maße beides verkörpert, wird in dieser Ausstellung und der vorliegenden Publikation auf oftmals berührende Weise bewusst.

    Alle fünfzig beteiligten Künstler*innen begingen und begehen einen ganz eigenen Weg, halten – unter welchen Lebensumständen auch immer – an diesem Weg fest und haben ihr Werk zu einer überzeugenden künstlerischen Position entwickelt, die – weit entfernt von epigonalen Attitüden – eine jeweils individuelle Ausdrucksform verkörpert. Was diese Positionen – bei aller Heterogenität – eint, ist eine spürbar konsistente Haltung, eine obsessive Suche nach dem Existentiellen und Humanen in der Welt und die daraus resultierenden Versuche, dem Gestalt und Gestaltung zu geben. Dieses Anliegen findet sich in Marwans eigenem künstlerischen Werk und geht zugleich weit über das rein Künstlerische hinaus.

    So wie Marwans Köpfe eine ganze, vielschichtige Welt bedeuten, so entsteht aus den versammelten Werken der Schüler*innen, ihren Stimmen und Stimmungen ebenso wie aus den Gesprächen, Erinnerungen, Korrespondenzen ein weiteres, hochkomplexes Bild des Menschen und Künstlers Marwan. Dieses Bild ist nicht das eines allmächtigen oder erdrückenden Vorbildes, es erscheint vielmehr wie eine leise Melodie, wie ein buntes Licht spendender Schatten, wie eine magische Kraft oder – wie ein anfeuernder Schutzengel.

    Beteiligte Künstlerinnen und Künstler:

    Gülden Artun, Werner Aufenfehn, Ayman Balbaaki, Said Balbaaki, Carola Bark, Heather Betts, Ingmar Bruhn, Claudia Busching, Giorgio Casari, Claudia Chaseling, Beate Daniel, Michelle de Matas, Tom Drake Bennett, Rene´ Faber, Julia Freyer, Ina Geißler, Danisa Glusevic Ferreira, Harriet Groß, Heike Lydia Grüß, Karolin Hägele, Christian Hoffmann, Katharina Ismer, Ali Kaaf, Janos Kachelmann, Sascha Kürschner, Robert Lucander, Elisabeth Luchesi, Christin Lutze, MARWAN, Teresa Mazuela, Susan E. McKinley, Silvia Nettekoven, Uschi Niehaus, Martin Pfahler, Frank Pieperhoff, Daniela Pukropski, Eva Räder, Susanne Rosin, Salah Saouli, Alexander Schellow, Uwe Schmidt, Maike Schröder, Tatjana Schülke, Barbara Schwithal-Diekmann, Matthäus Thoma, Jens Umlauf, Corinna Weiner, Karsten Wittke, Jens Wohlrab, Frank Michael Zeidler

    Video: druck_sache | Tendenzen zeitgenössischer Druckgrafik

    DRUCK _ SACHE

    Tendenzen zeitgenössischer Druckgrafik

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    Dokumentation zur Ausstellung in der Galerie Pankow
    vom 18. April bis 10. Juni 2018

    9:06 Minuten / HD

    Transkription des Videos

    Also wenn man malt oder zeichnet, 
    ist das der Prozess, den man im Atelier alleine macht

    und sobald man vielleicht in die Druckgrafik geht,
    verlässt man ja sein Atelier und geht

    in einen anderen Raum und die Anonymität 
    ist vorbei und dann wird das sozusagen ein Miteinander oft.

    Und als ich anfing mit der Lithografie, dieser dicke Stein,

    wo der sich bemühen muss, das zu schleifen.
    Der schleift dann den großen Stein.

    Und jetzt soll man auf diesen großen, 
    dicken Stein etwas Freies draufmachen.

    Er wird abgespült und dann wird der Stein getrocknet 
    und dann kann er reingetragen werden und bezeichnet werden.

    Lothar Böhme: Aber ich mache es gerne wegen eben dem 
    schönen Haus wir unterhalten uns über die heutigen Dinge.

    Dann kommt man hin und dann ist da eine wunderbare Atmosphäre.

    Und dann guckt man auf den Stein drauf und dann fängt man an.

    Und je länger man das macht, wir machen das ja fast schon jahrelang,
    verliert man die Scheu, das zu machen.

    Steffen Tschesno: Und das ist auch für mich das Interessante zu sehen,
    dass zwei Maler, wie unterschiedlich sie sozusagen

    mit dem Medium Grafik umgehen. Der eine als zeichnerisches Medium
    und der andere sieht es als malerisches Medium.

    Und das geht in beiden Techniken. Und in anderen natürlich auch noch.

    Auch im Holzschnitt kann man natürlich malerisch 
    arbeiten oder zeichnerisch arbeiten.

    Und das finde ich oft sehr, sehr interessant.

    Und über den Prozess, den Lothar
    beschrieben hat und auch den Said beschrieben hat,

    also dass das man sieht, dass also Said in seinen Arbeiten,
    wo er Maler ist, also auch in der Druckgrafik,

    egal ob in der Radierung oder auch in der Lithografie,
    immer einen malerischen Ansatz hat in seinen Arbeiten

    und bei Lothar und Anna ist es,
    also vor allem bei der Radierung sieht man das,

    eigentlich doch, dass sie auch in der Art arbeiten 
    wie sie auch zeichnen.

    Annette Tietz: Das ist die Suche wieder nach dem Auratischen des Kunstwerk
    und der Einmaligkeit des Bildes; das steckt dahinter.

    Und das kann man durchaus also erzeugen,
    in dem man sich mit dem Blatt Papier, der Druckplatte,

    dem Stein auseinandersetzt. Die Möglichkeit 
    oder die Beschränkung des Materials annimmt

    und innerhalb, also dieser Beschränkung, aber 
    auch wieder zur eigenen Formulierung findet.

    Das war eigentlich die Überraschung zu sehen,
    dass es so viele junge Künstler an

    unterschiedlichen Hochschulen gab,
    die sich der Technik wieder zugewandt haben.

    Das war für mich erstens, interessant zu sehen und 
    zweitens, auch mal wichtig, einen Einblick in die

    zeitgenössische Druckgrafik zu geben, weil es an 
    anderer Stelle so bislang nicht stattgefunden hat.

    Anna Slobodnik: Die Druckgrafik macht so ganz andere Dinge
    mit einem Bild während ich male.

    Da das ein langsamer Werdeprozess ist, kann man eine 
    Druckgrafik natürlich auch sehr oft überarbeiten,

    aber man druckt erst einmal 
    und man hat ein Produkt und dann kann man sich entscheiden,

    möchte man weiter arbeiten.
    Man hat immer dieses “fertig”, das ist ganz faszinierend.

    Annette Tietz: Es ist sicherlich auch eine Rückbesinnung auf
    eine Form von Kunst, die auch etwas mit Handwerk zu tun hat.

    So im Sinne also des eigenen Herstellens 
    und des Könnens, was damit verbunden ist.

    Da steckt ja sehr viel Können und vor allen Dingen 
    auch sehr viel Wissen dahinter,

    was heute auch nur noch an wenigen Stellen weitergegeben 
    wird und an so einer Stelle ist es dann durchaus

    auch von Relevanz, dass es noch Druckwerkstätten gibt,
    also so die von Steffen Tschesno, das Lithografieatelier

    und die solche Kenntnisse, dieses Wissen vermitteln und Künstler auch begleiten.

    Said Baalbaki: Ich habe angefangen in Beirut vier Jahre nach 
    dem Ende des Bürgerkriegs. Das heißt in sehr

    miserablen Zustand studiert und
    wir waren 20 Leute gepresst in einen kleineren Raum als hier.

    Wir hatten keine Druckwerkstätten, wir hatten nichts.

    Und als ich nach Berlin kam, habe ich gesehen, was man für Luxus hier hatte.

    Annette Tietz: Freie Druckgrafik spielt heute eigentlich
    keine große Rolle in der zeitgenössischen Kunst.

    Wird eigentlich nicht gehandelt, wird von der Wissenschaft,

    also von der Kunstwissenschaft, nicht mit einem 
    besonderen Interesse wahrgenommen.

    Das Überraschende daran ist, dass die Grafik trotzdem 
    existent ist und das sich insbesondere viele

    jüngere Künstler den traditionellen Techniken 
    wieder zugewandt haben aus; unterschiedlichen Gründen.

    Zum Einen um auch etwas Besonderes für sich zu finden,
    in der Formulierung ihrer eigenen künstlerischen Ideen.

    Und dem kommen druckgrafische Techniken offensichtlich also auch
    ein Stückchen näher, mit der Möglichkeit des Experiments.

    Das wird heute nicht mehr im Sinne
    dieses klassischen Auflagendrucks, Druckgrafik, hergestellt.

    Druckgrafik findet man heute sehr stark, nach wie vor,

    im Zusammenhang mit der Entstehung von 
    Editionen, im Zusammenhang mit Büchern

    und in Form von Unikaten, als experimentelle Arbeiten und 
    darin also durchaus gleichrangig zu Zeichnungen.

    Annette Tietz: Aber es ist ein Interesse für die Technik da
    und die Druckgrafik ist nach wie vor existent.

    Die Techniken werden von vielen Künstlern genutzt;

    zum Teil ausschließlich in ihrem künstlerischen Werk.
    Es hat sich ein Wandel ergeben.

    Said Baalbaki: Wenn ich über ein Projekt nachdenke,
    dann denke ich direkt auch, was soll das Medium sein.

    Soll ich mehr die Radierung einsetzen als die Lithografie
    oder ist es ein Holzschnitt und all diese Aspekte.

    Wenn man das noch nicht richtig vertieft hat,
    dann kann man das nicht so schnell wissen.

    Dann muss man auch die erfahrenen Leute nochmal fragen, dann ausprobieren 
    und das kostet alles auch Zeit, Aufwand und Geld.

    Annette Tietz: Es entspricht der Aufgabe kommunaler Galerien,
    Kunst zu zeigen, die der Markt nicht berücksichtigt

    oder die nicht gehandelt wird. Und dazu 
    zählt Druckgrafik auf jeden Fall auch.

    Beteiligte Künstlerinnen und Künstler:
    Katharina Albers, Ayman Baalbaki, Said Baalbaki, Magdalena Beger, Lothar Böhme, Paula Carralero Bierzynska, Felix Martin Furtwängler, Agustín García, Dieter Goltzsche, Liat Grayver, Claas Gutsche, Konrad Henker, Hanna Hennenkemper, Philipp Hennevogl ,Horst Hussel, Gabriela Jolowicz, Mark Lammert, Wolfgang Leber, Kazuki Nakahara, Hans Scheib, Frank Sievers, Anna Slobodnik, Sebastian Speckmann, Strawalde, Genaro Strobel, Muriel Tauber, Eva Vent, Uta Zaumseil


    Mit freundlicher Unterstützung durch die Senatsverwaltung für Kultur und Europa
    Ausstellungsfonds Kommunaler Galerien

    Finissage: druck_sache | Tendenzen zeitgenössischer Druckgrafik

    Sonntag, 10. Juni 2018 um 17 Uhr: Finissage der Ausstellung

    druck_sache | Tendenzen zeitgenössischer Druckgrafik

    Die Ausstellung vereint 28 künstlerische Positionen und über 70 Werke. Sie gewährt einen Einblick in die aktuelle künstlerische Druckgrafik anhand von Lithografie, Holzschnitt, Linolschnitt und Radierung, ohne damit jedoch einen Anspruch auf eine vollständige Bestandsaufnahme zu verbinden. Vielmehr soll hier grafisches Schaffen als eine lebendig gebliebene bzw. wieder entdeckte Tradition zu öffentlicher Aufmerksamkeit verholfen werden.

    Holzschnitt der Künstlerin Gabriela Jolowicz

    Gabriela Jolowicz: “Pivo” 2015, Holzschnitt, 50 x 70 cm

    All den aufgeführten Positionen aktueller Druckgrafik eignen die einer sinnlichen Wahrnehmung verpflichteten Lust am Experiment bei gleichzeitiger Reflexion über das Medium als technisches Phänomen, ein Ausloten seiner Möglichkeiten, ein Übertreten von Grenzen sowie ein Reagieren auf die Gegenwart im grafischen Bild. Dabei verweist die aktuelle Grafik unprätentiös auf ihre stoffliche Dimension, die Echtheit der Materialität, die Beschränkung aufs Wesentliche und behauptet sich gegen Kühle und Fluktuation der digitalen Bilder.

    Indem sie Tradiertes ausreizen, erweitern und aktualisieren, bekunden die Grafiker*innen von heute ihr künstlerisches Selbstverständnis und schaffen zeitgemäße Bildwelten, die in ihrer Vielfalt neue Perspektiven eröffnen, ohne dabei zu vergessen, Geschichte zu erinnern und Geschichten zu erzählen.

    Beteiligte Künstlerinnen und Künstler:
    Katharina Albers, Ayman Baalbaki, Said Baalbaki, Magdalena Beger, Lothar Böhme, Paula Carralero Bierzynska, Felix Martin Furtwängler, Agustín García, Dieter Goltzsche, Liat Grayver, Claas Gutsche, Konrad Henker, Hanna Hennenkemper, Philipp Hennevogl ,Horst Hussel, Gabriela Jolowicz, Mark Lammert, Wolfgang Leber, Kazuki Nakahara, Hans Scheib, Frank Sievers, Anna Slobodnik, Sebastian Speckmann, Strawalde, Genaro Strobel, Muriel Tauber, Eva Vent, Uta Zaumseil


    Mit freundlicher Unterstützung durch die Senatsverwaltung für Kultur und Europa
    Ausstellungsfonds Kommunaler Galerien